小提琴演奏中的呼吸

时间：2022-11-08 15:15:05 松涛乐器培训我要投稿

相关推荐

关于小提琴演奏中的呼吸

　　小提琴广泛流传于世界各国，是现代管弦乐队弦乐组中最主要的乐器。下面是小编分享的关于小提琴演奏中的呼吸，欢迎大家参考!

　　美国钢琴家露丝C弗里德伯格说：“不论对于独奏还是室内乐，更有帮助的建议是与音乐(乐谱)一起呼吸。这将会减小身体的紧张程度，增大氧气给予的能量的流动，并确保一种对音乐分句中抑扬顿挫的充分理解。”小提琴演奏中的呼吸是指音乐作品演奏中，与音乐表现的力度、速度、情感等因素相匹配的呼吸以及演奏技术的合理应用。

　　(一)演奏中乐句长短与呼吸由于乐句长短，音乐的结构呼吸与演奏者的生理呼吸有时同步，有时不同步。演奏者要根据音乐作品的艺术表现，生理呼吸顺应结构呼吸的要求，有意识地进行变换调整，力求乐句的连贯完整。

　　贝多芬小提琴第五奏鸣曲《春天》第一乐章乐段里文本呼吸与生理呼吸基本同步。演奏者只要放松横膈膜，放松肌肉，均匀自然的呼吸，就能很好的顺应结构呼吸，奏出富有生命力的音乐。而在一个较长乐句的演奏中，演奏者应根据自身情况，在满足摄氧量的前提下迅速无痕地换气(类似于管乐器演奏中的“循环换气”技巧)，以顺应结构呼吸的流畅性和完整性。

　　(二)演奏速度与呼吸

　　巴赫g小调奏鸣曲柔板速度较慢，节奏要求准确而不刻板，音乐严谨而流畅。演奏者的呼吸要深沉而悠长。如同管风琴的风箱，充分的吸气后，和着稳定的和弦带出一串连音。每个音符按照舒缓的呼气惯性，与音符的节奏浑然一体，自然均匀。然后再吸气，进入下一个乐句的演奏。演奏中即使音准、节奏非常精确，音色圆润，如果没有深长的“呼吸”贯穿整个乐句，音符则显得杂乱无章，乐句结构不清，音乐停滞。均匀而深厚的“呼吸”虽然无形无影，却融于每个音符、乐句之中，是贯穿作品的脉搏。

　　圣桑的哈巴涅拉舞曲中的一段快板速度很快，对演奏者的协调性及控制力要求较高。练习过程中，由于速度和技术要求的压力，在技术定型初级阶段，演奏者容易出现精神、肌肉紧张，呼吸不规律，从而出现缺氧、失控等现象。在技术练习中，只有了解自身心理生理特点后，顺应正常的生理呼吸并适当调节，才能达成手脑协调，顺利的完成这段高难度的快板乐段。

　　拉威尔茨岗音乐会狂想曲是一首印象派作品，曲风豪放、自由。选段中情感浓烈，节奏自由，音色富于变化，使得音乐色彩绚丽，个性十足。开始的乐句声音粗犷、有力。演奏者在拉奏之前需要使用胸腹混合式呼吸(生理呼吸中空气吸入量最大的呼吸方法)，使肺部充满空气，结实有力的手臂在理智的大脑控制下，才能奏出松弛而强有力的声音。如果拉奏前没有充分的呼吸，演奏者会因肺部缺少空气，大脑供氧不够，手臂肌肉无力，爆发力不足，而无法奏出粗犷有力的声音。相反，在演奏轻柔的乐段时，可采取胸式呼吸或腹式呼吸。呼吸的频率要慢，身体起伏小，演奏者身心平静，运弓平稳，才能人琴合一，奏出柔美连贯的音乐。

　　《素问保命全形论》说：“天地合气，命之曰人。”故，气是生命的本源，是构成人体生命的基本物质。《素问气交变大论》说：“善言气者，必彰于物。可见，气与物是一个统一的整体。“《内经》试图用气这个共同的物质基础统一说明自然现象、人体生理活动、精神意识等，从而说明了气是人体生命活动的总根源。可见，呼吸对小提琴演奏者的重要性。在多年的演奏及教学经历中，笔者发现小提琴演奏中无论是技术掌控(生理活动)还是音乐表现(精神意识)，“呼吸”问题贯穿其中。

　　小提琴演奏作为一门理性与感性并济的科学与其他学科(医学、物理学、心理学等)有着千丝万缕的联系。现今对学科交叉领域的研究甚少。笔者希望通过小提琴演奏者“呼吸”问题的提出，拓展思路，打开视角，结合相关学科领域开展多角度的科学研究，促进小提琴演奏科学深入、全面、系统的发展。

　　一、小提琴演奏中把握音准的重要价值

　　音准，可以说是小提琴的生命所在，是演奏过程中最为难以把握的技术。演奏者对曲子的音符节奏把握不好、演奏效果达不到理想程度等各种原因，其归根结底都是把握不好小提琴的音准。小提琴音域宽广，不同的材质构造有着不同的音色，要求演奏者具有超敏感的听觉、相当规范标准的演奏姿势和高超的揉弦技巧，并且小提琴不像钢琴一样每个按键确定一个音准，小提琴的音准无法通过视觉来感官，只能通过听觉来判断，这就增加了演奏者对音准把握的难度，解决小提琴的音准问题首先要了解是哪些因素影响了音准，然后再分析研究对策，以此来提高小提琴演奏的音准和把握小提琴技巧。

　　二、影响小提琴演奏音准的因素

　　(一)客观因素

　　小提琴特殊的乐器构造是影响小提琴演奏音准的客观因素。小提琴不同于钢琴、长笛、小号等乐器，不同的音符都有相应的按键或标记，小提琴的音准无法在四根空弦或指板上标记，演奏者只能通过听觉感官来校对音准。不同的材质也让小提琴具有了不同的音色，包括琴身材质和琴弦材质，比如琴弦采用钢丝高音就会更加突出，演奏者要与小提琴进行一定时间的磨合，达到“人琴和一”方能更好地掌握琴的发声本质，从而在演奏中掌握音准。

　　(二)主观原因

　　归根结底，影响小提琴演奏中音准以及把握不好的主要因素是个人的问题，包括演奏者的音乐听觉能力、演奏姿势和演奏技巧等等。小提琴演奏者主要通过听觉来感知和判断音准，听力包括外在听力和内在听力。外在的听力需要演奏者对声音的音准做长期的判断练习来加强，而内在听力则需要演奏者在长期的音乐熏陶中培养内心对小提琴音准的敏感感受。演奏者演奏时的姿势和单手按弦、揉弦技巧是演奏中把握音准的重要手段。演奏者在学习小提琴之前首先要进行演奏姿势的规范标准训练，要保持演奏姿势的平稳协调，不管是坐姿还是站姿，都要确保演奏过程中身体的上半身与拉弓动作相互协调。演奏者一般使用左手完成按弦动作，按弦技巧包括揉弦、换把和指法等。演奏者的左手四个手指必须时刻找准四根弦的音阶，尽量在一个把位内按弦，避免频繁的换把，揉弦时要注意手指关节的灵活，避免因疲劳或出汗导致手指滑动，而影响小提琴的音准。

　　三、掌握小提琴音准的相应对策

　　(一)进行常规的听觉能力训练

　　演奏者对小提琴的音准把握受个人听觉能力影响较大，小提琴的演奏学习要不断进行常规的听觉能力训练，通过在演奏过程中不断地训练听觉，才能使演奏者在演奏曲目时较快地找到指板位置。著名小提琴演奏家卡尔弗莱什曾经对小提琴演奏的听觉训练做出深入研究，他要求学生在小提琴练习时可以适当延长每个音符，在对音准进行了仔细检查后再进行下一音符的拉奏，并且反复训练，在熟练中加快对指板上手指位置的判断，掌握“预先听觉”的能力。在曲目的自我练习中都可以采用这种方法，对较为困难的部分进行反复慢速演奏，找准音准后方可进行速度训练。

　　(二)规范正确的演奏姿势

　　小提琴的演奏姿势要规范标准才能准确把握每个音符的音准，在较长时间内保持身体的协调稳定，演奏姿势包括演奏时的上身姿势和按弦的左手手型。演奏时不论是坐姿还是站姿都要保持演奏动作与上半身的协调稳定，通常情况下以站姿较为容易。左手按弦技巧是与听觉能力训练齐头并进的，演奏者要根据自己的手指特点，找准适合自己的左手手型，通常演奏者的指法选择要与演奏曲目相吻合。

　　(三)手指触感的训练

　　小提琴演奏者要长期坚持枯燥的音阶训练，不能只是对几首旋律优美的曲子进行练习，演奏者要熟悉自己对音准掌握的情况，进行音阶的分部形式训练，对高难度的乐段进行手指触感的建立和培养，要长期坚持训练，才能提升演奏者的音准能力，从而使小提琴演奏出纯正美妙的音质。

　　四、结语

　　解决小提琴在演奏中的音准问题是一个重要的过程，需要演奏者在长期的指法训练和音乐艺术熏陶中进行准确地掌握。演奏者要努力地把握音准以达到演奏效果。只有坚持刻苦训练，理论联系实际，才能不断地提高对演奏音准的把握。

　　小提琴演奏中的揉弦问题

　　一、揉弦的种类

　　小提琴的揉弦是多样的，主要有手揉弦、手臂揉弦、手指揉弦三种。

　　从开始学习揉弦就要强调：手在任何情况下都不要将琴颈捏紧。将乐器抓紧后再去揉弦，必然造成极大的紧张，并使左手的动作瘫痪。几乎所有的学生在开始学习揉弦时，都要抓紧琴颈，因为他们感到这是件很困难的事情，于是产生紧张心理。教师必须从心理和生理两方面进行引导，使学生始终保持放松的状态。

　　(一)手揉弦

　　手揉弦也称为“手腕揉弦”，具体为通过左手指末端关节的凹凸拉伸动作，带动整个手及手腕前后晃动。练习这种揉弦，左手放在第三把位，手的下半部和琴身相接触，二指放在A弦的E音位置，二指末端关节向下凹陷，手指便向琴头方向伸直，手指被拉长，但是不改变它在弦上的位置。之后手指末端关节向上凸起，手向琴马方向移动，回到它的原起点，手指弯曲。这样手揉弦的一个周期就完成了。

　　在学习过程中，手心的下半部分要保持和琴身接触，以保证手臂处于不动的状态，食指侧边最好和琴颈离开。刚开始练习时，每拍揉几下要有严格的数目，可以先每拍揉两下，然后揉三、四、六下，以后更多，不计数目。

　　可以先抱琴练习。右臂抱着琴，左手二指在三把位慢速进行练习，这样可以使学生的肌肉动作建立在自然松弛的状态下。掌握了第三把位手揉弦之后，就可以在其他把位进行练习。在较低的把位练习时，可能由于手失去支撑而感到有点困难，这时应该特别注意手腕的支撑作用，还要注意食指不要夹紧琴颈。

　　(二)手臂揉弦

　　手臂揉弦的发力点来自于整个左小臂，手指是被动的，是随着手臂的晃动而前后摇动的。手指用适度的力量在弦上保持固定位置，要有足够的弹性使手臂可以自由运动。手指要随着揉弦向后和向前的摆动而伸直、弯曲。

　　在开始训练手臂揉弦时，四个指头中分别用一个指头(最好是先用三指或二指)轻按第一把位的音，然后从一把位至五把位快速来回滑动，逐渐以三把位为中心(动作继续进行)，最后手保持换把的动作，而指尖和大拇指则停在第三把位中该指应当按的音上。这时，手指、腕、臂都要放松，继续轻轻地揉动。在第三把位以上练习手臂揉指时，把二指放在弦上，在手每次向前摆动时，都接触到琴的边板，就好像是用手心在小提琴的边上走打指的动作，这样做可以使动作均匀有节奏。

　　(三)手指揉弦

　　手指揉弦的动力来自于手指本身，从指根关节摆动，手就被动地、有韧性地跟随着手指轻微摆动。这种揉弦的幅度要比其他两种小，训练的难度却更大。要在充分控制好手臂揉弦和手揉弦之后再去学习手指揉弦。

　　开始训练时，可以先不用乐器，用右手的拇指和其他手指握住左手，使左手做手指快速摇动动作;也可以利用半音上下滑动获得手指揉弦的感觉，然后停在音上揉。在演奏一些速度很快又需要有表情的乐句时，来不及使用手及手臂揉弦时，可使用手指揉弦。

　　(四)三种揉弦的结合

　　三种揉弦都有各自的特点和音色，学习时三种揉弦可以单独练习，但是实际演奏中很少孤立地单独使用其中某一种。好的揉弦可能是以手臂、手或手指为主，其他邻近的肌肉都要加入，所以揉弦多数是某两种揉弦的结合，甚至也有三种揉弦的结合。例如我国青年小提琴家林昭亮先生在演奏《流浪者之歌》的开始引句是将左手的手指几乎是放平贴在弦上。用手臂动作来推动手指的揉动使旋律线连绵不断，这样就在G弦上营造出富有戏剧性的浓郁而悲壮的音调。中间一段抒情的旋律却又用手腕的轻摇奏出了委婉和凄凉的情感，令人深受感动。其间还有用手指第一关节与手腕明显配合的揉弦动作，几段旋律充分显示了不同揉弦方式的艺术效果与感人的力量。

　　通常揉弦要和运弓力度相适应，力度强时揉弦的幅度要大且强烈，力度轻时揉弦要窄且慢而柔和。手臂揉弦最强烈，手揉弦最柔和，手指揉弦最细小。力度强的时候经常使用手臂揉弦，柔和的乐句多采用手揉弦，速度快而又有表情的乐句则多采用手指揉弦。但也有例外，一些柔和的乐句有时需要非常强烈和快的揉弦，最强有力的乐句也经常可以使用手揉弦。虽然宽的揉弦通常是比较慢、窄的，但是演奏者也能够演奏宽而快和窄而慢的揉弦。

　　我国著名小提琴教育家林耀基先生曾对三种揉弦进行形象比喻：手可比作一棵树，手指晃动可比作风，手指微微颤动时犹如微风吹动树叶，手腕揉好比和风吹动了树枝，臂揉好比大风把树干也吹动了。在演奏时揉弦的幅度和速度随着音乐的需要而变化，正如自然界的风有时大有时小，甚至也有无风的时候。

　　二.揉弦的风格

　　揉弦不仅仅是动作，还是一种密度很高、如心灵在颤动的乐响。它必需和具体的作品相结合，和作曲家所处的时代背景、创作特点、演奏风格相适应。

　　(一)巴赫

　　巴赫是巴洛克音乐时期重要的代表人物，他的音乐作品严谨、深刻、富有哲理，它不是直接由小提琴乐器本身而产生出来的，而是纯灵感和最宏伟艺术构思的结晶。当演奏他的作品时，要避免过多、过密、不稳定的揉弦，以突出空旷、无杂音的发音效果和演奏双音和弦时的和声效果;多采用手揉弦，连续演奏连弓较多的小音符时，最好不用揉弦;在演奏一些中速音符时要使用非常微小的手指揉弦。

　　(二)莫扎特

　　莫扎特是古典主义音乐时期重要的代表人物，他的音乐作品给人的印象总是那么雍容华贵、恰如其分。当演奏他的作品时，要严格控制揉弦，揉弦的手指在弦上不能有任何负担，要选择比较窄的触弦点和频率稍快的揉弦，以达到声音明亮透彻的效果;还要注意揉弦与弓速恰如其分的配合，以突出莫扎特作品典雅、欢快而具节制的特点。

　　(三)勃拉姆斯

　　勃拉姆斯是浪漫主义时期重要的代表人物，他的音乐作品深沉、严肃甚至令人感到过于复杂滞重。他的音乐从不单纯追求华丽辉煌的音响，而是重视对音乐本身表现力的创造和对民间音乐的挖掘。演奏他的作品时，选择以宽广、厚实的手臂揉弦为主，手指在弦上的接触面要尽可能宽，为使声音显得宽实而密集，多采用手臂和手揉弦相结合的方法。

　　这几位只是音乐史中几个重要时期具有代表性的作曲家，我们实际演奏中，对于每个作品和作曲家都要做这样的分析和设计，并融入演奏者自身的理解与情感情绪个性的表达，从而找到与之相适应的揉弦方式并合理安排，以适合作品的特定风格。

　　三、揉弦的音准及其他问题

　　(一)揉弦的音准和速度

　　揉弦是音乐表现的需要，在练习的时候，千万不要因为某个音拉不准而用揉指来掩盖。所以，在练音准时最好不使用揉弦。但在上台演出时，可以用揉指来弥补一下偶尔出现的音误，但这只是临时的应急措施。

　　揉弦的动作方向并不是和琴弦完全平行的，它和琴弦形成一个锐角，否则揉弦的动作将很不舒服，且动作范围也要小很多。具体练习中可以通过缩小揉弦的幅度使揉弦变快，手的距离越近，每拍中可以达到的揉弦数目越多。而且使用缩小幅度来加快速度的方法比纯粹使用加大力量的方法要好，它可以使手不至于产生太多紧张。同时，手腕如果稍稍向琴头方向突出，就能使揉弦的动作变小，从而加快了手揉弦的速度。

　　(二)揉弦常见问题

　　当演奏双音揉弦时，通常出现的问题是揉不动，这是由于手指僵硬、紧张而造成的。最好是先分别练习每个手指的揉弦，当手指建立了松弛、放松的感觉后再练习两个手指一起的揉弦。某些和弦需要用三个或四个手指同时按音，这时就需要手臂揉弦。

　　有些学生有这样的坏习惯，要等声音拉出来以后再开始揉弦，这时弓子的很大一部分已经用掉了，作为一种音色的因素，偶尔地这样演奏是可以的，但是不能把这养成一种习惯，每个音都这样演奏。为了获得揉弦的多样化，可以在一个音上用一弓练习渐快和渐慢的揉弦，还要练习换指按弦时不间断揉弦的动作。

　　任何类型的揉弦都需要手指关节的柔韧和放松。提高手指柔韧性的一种方法是不用弓子，把手指放在弦上前后摆动，使得最靠近指甲的那个关节交替出现弯曲和伸直的形状;另一种放松手指的方法是手和手腕保持不动，只用手指的动作，在同一个音上用较低的手指代替较高的手指。使用滑指演奏半音音阶，也有助于手指关节柔韧性的提高。

　　综上所述，好的演奏者要会控制每种揉弦的速度、幅度和强度，自如地按要求放慢、加快或停止揉弦，能随时调整手的动作变宽或变窄，从一种揉弦自然地换到另一种，还能很好地将这几种揉弦结合起来，加上弓所做出来的各种力度变化，可以创造出无限的可能性，从而给演奏者的表演以生命、色彩和无穷变化。

【小提琴演奏中的呼吸】相关文章：